Masters of the Universe gay-friendly
Die Frage taucht jedes Mal auf, wenn ein neues He-Man-Projekt angekündigt wird. Und das ist kein Zufall. Seit den 1980er-Jahren hängt dem Franchise Masters of the Universe ein hartnäckiger Ruf an: ein „Camp“-Universum, eine hypermaskuline Ästhetik, die mit der Zeit zum fruchtbaren Boden für queere Lesarten wurde, manchmal sogar zu einer schwulen Fantasie, die die Popkultur offen aufgegriffen hat.
Doch zwischen Fan-Lesarten, Subtext, Ikonen und expliziter Repräsentation auf der Leinwand klafft eine echte Lücke. Was lässt sich heute, kurz vor dem nächsten Film, vernünftigerweise sagen? Wird er wirklich inklusiv sein oder nur „queer-friendly“ aus ästhetischem Erbe? Um das zu beantworten, hilft es, He-Man in eine größere Reihe fiktiver Figuren einzuordnen, die die schwule Popkultur geprägt haben und die Art, wie ein queeres Publikum Kino liest.
Bevor wir urteilen: Was heißt „gay-friendly“ im Kino überhaupt?
Oft werden drei verschiedene Ebenen vermischt, obwohl sie nicht dieselbe Geschichte erzählen. In diesem Artikel dient „gay-friendly“ im Zusammenhang mit Masters of the Universe als praktisches Etikett, doch die Wirklichkeit ist vielschichtiger.
Gay-friendly durch Ästhetik (Subtext)
Ein Film kann sich für ein LGBTQ+-Publikum einladend anfühlen, weil er Raum für Interpretation lässt. Denk an visuelle Codes, Mehrdeutigkeit, Symbolik, Camp-Ton, stilisierte Sinnlichkeit. Das ist ein Grund, warum die Debatte um He-Man oft bei den Bildern beginnt.
Gay-friendly durch Repräsentation (Text)
Wirklich inklusiv wird ein Film, wenn er klar erkennbare LGBTQ+-Figuren zeigt, mit Würde geschrieben, ohne Karikatur und mit echtem erzählerischem Gewicht, nicht nur als Augenzwinkern. Will der neue Film das Etikett gay-friendly verdienen, zählt diese Ebene.
Gay-friendly durch Haltung (Marketing und Botschaften)
Ein Studio kann „Inklusion“ kommunizieren, ohne sie auf die Leinwand zu bringen. Genau da wird das Publikum misstrauisch: Rainbow-Washing gibt es wirklich, und es kann sich wie Ausbeutung anfühlen. Anders gesagt: Gay-friendly darf hier nicht nur eine Marketingstimmung sein.
Warum He-Man zur queeren Ikone wurde (ohne es unbedingt zu wollen)
Eine hyperstilisierte Ästhetik des männlichen Körpers
Schon in der ursprünglichen Zeichentrickserie (He-Man and the Masters of the Universe, 1983) ist der Ton gesetzt: gemeißelte Muskeln, Harnesse, Stiefel, heroische Posen und intensive Männerkameradschaft. Damals war das Ziel simpel: Actionfiguren verkaufen. Doch die kulturelle Wirkung ging weit über das Marketing hinaus.
Dieser idealisierte, zur Schau gestellte, stilisierte Männerkörper wurde von vielen LGBTQ+-Zuschauern als eine Form homoerotischer Fantasie gelesen. Kulturkommentare haben oft darauf hingewiesen, dass das Franchise seit Langem von queerem Subtext umgeben ist, manchmal unbeabsichtigt, manchmal durch die Rezeption verstärkt. Das ist das ästhetische Fundament, auf dem die Frage nach einem gay-friendly He-Man in der Popkultur immer wieder auftaucht.
Prince Adam / He-Man: eine mögliche Metapher für das Versteckspiel
Im Kern des Mythos steht die Verwandlung: Adam „wird“ zu He-Man. Geheime Identität, die Angst, entdeckt zu werden, ein Doppelleben. Viele queere Fans können darin kaum etwas anderes sehen als ein Echo auf das Leben im Verborgenen vor dem Coming-out.
Das ist kein Beweis für eine Absicht der Macher, sondern eine Lesart. Aber genau so entstehen Ikonen: wenn ein Werk, selbst unbeabsichtigt, einem Publikum symbolische Anknüpfungspunkte bietet, das sich in seinen Codes wiedererkennt. Auch deshalb bleibt das Thema aktuell.
He-Man in einer größeren Tradition der schwulen Popkultur: fiktive Figuren, die queere Lesarten geprägt haben
He-Mans Status als schwule Ikone ergibt noch mehr Sinn, wenn man ihn neben andere fiktive Figuren stellt, die die Geschichte des schwulen Kinos geprägt haben, mal durch explizite Repräsentation, mal durch Codierung, Camp oder schlichte Vereinnahmung durch die Fans. In dieser Tradition wird der Fall He-Man zum Kürzel für ein größeres kulturelles Phänomen.
Die codierte Ikone: Figuren, die als queer gelesen wurden, bevor sie es offen sein durften
Lange bevor das Mainstream-Kino explizite LGBTQ+-Figuren zuließ, lernte das queere Publikum, zwischen den Zeilen zu lesen.
Sebastian Venable (Suddenly, Last Summer, 1959): eine Präsenz außerhalb des Bildes, aber zentral für eine Geschichte, die lange wegen ihrer codierten Queerness diskutiert wurde.
Brick Pollitt (Cat on a Hot Tin Roof, 1958): Verdrängung, Männlichkeit und das Unausgesprochene, ein klassischer Fall von Subtext.
Tom Ripley (The Talented Mr. Ripley, 1999): Begehren, Besessenheit und Identität als Performance.
Der Camp-Bösewicht, die theatralische Figur: wenn Übermaß zum queeren Vergnügen wird
Camp ist ein wichtiges Einfallstor für queere Zuneigung. Diese Figuren sind im Text nicht unbedingt „schwul“, aber sie wurden zu festen Größen der schwulen Kultur.
Frank-N-Furter (The Rocky Horror Picture Show, 1975): eine Gründungsfigur der queeren Mitternachtskino-Kultur.
Der Joker (mehrere Filme): Theatralik, Stil und eine von den Fans getragene queere Aneignung der Figur.
Ursula (The Little Mermaid, 1989): eine Drag-codierte Ikone, die Generationen queerer Fans für sich entdeckt haben.
Die hypermaskuline Fantasie: Körper, Macht und der schwule Blick
Hier fühlt sich He-Man am wohlsten: der heroische Männerkörper als Spektakel. Das ist ein Hauptgrund, warum die Diskussion über einen gay-friendly He-Man immer wieder hochkommt.
Achilles (Troy, 2004): ein Mainstream-Epos, das dennoch queere Lesarten und Debatten auslöste.
Spartacus (Spartacus, 1960; später auch TV-Adaptionen): Männlichkeit, Bruderschaft und die Politik des Begehrens.
Superman (verschiedene Filme): der „perfekte“ Männerkörper und die Spannung zwischen Geheimnis und Identität.
Die explizit schwule Figur: wenn Repräsentation zum Text wird, nicht nur Subtext
Das moderne Kino hat Figuren hervorgebracht, die offen schwul und kulturell bedeutend sind.
Ennis Del Mar & Jack Twist (Brokeback Mountain, 2005): ein Wendepunkt für die Sichtbarkeit im Mainstream.
Chiron (Moonlight, 2016): eine wegweisende Figur für Zärtlichkeit, Männlichkeit und Schwarze queere Identität.
Simon Spier (Love, Simon, 2018): die Coming-out-Geschichte eines Teenagers als Mainstream-Romcom.
Camp und schwule Kultur: wenn Ernst köstlich wird
Eine große Mythologie, die manchmal an Kitsch grenzt
Masters of the Universe hat schon immer mit dem Übermaß geflirtet. Großspurige Dialoge, theatralische Bösewichte, barocke Kulissen, vereinfachte Moral. Das kann naiv wirken, erfüllt aber viele Kriterien dessen, was Susan Sontag als „Camp“ beschrieb: eine Ästhetik, in der Übertreibung zum Vergnügen wird.
In der schwulen Kultur ist Camp nicht einfach „Kitsch“. Es ist eine Art, den Ernst umzudrehen, neu zu deuten und manchmal durch ihn zu überleben. Und He-Man wurde mit seinen Codes zum perfekten Material. Das ist eine weitere Ebene des gay-friendly He-Man, noch bevor wir über explizite Repräsentation sprechen.
Skeletor: der theatralische Bösewicht als unfreiwilliger Star
Bei Skeletor dreht sich alles um Extravaganz, Pointen und Pose. In Memes und in der Internetkultur ist er fast zur Performance geworden. Noch einmal: im Text nicht unbedingt LGBTQ+, aber bestens „aneignungsfähig“. Deshalb werden Bösewichte und Nebenfiguren oft in die Diskussion einbezogen.
Das Franchise im Wandel der Zeit: Zeichentrick, Serien und Film
Die 1980er-Jahre: eine Zeit gesellschaftlicher Zensur
Die 1980er-Jahre waren in den Mainstream-Medien von starkem Normierungsdruck geprägt. In diesem Umfeld war explizite LGBTQ+-Repräsentation in einer Zeichentrickserie für Kinder undenkbar.
Wenn es Queerness gab, dann lebte sie in der Interpretation, in der Ästhetik und im Unausgesprochenen. Dieser historische Kontext zählt, wenn man heute beurteilt, wie gay-friendly das Franchise ist.
1987: der Realfilm und sein viel diskutierter Subtext
Der Film Masters of the Universe von 1987 wurde rückblickend oft so gelesen, als trage er einen sichtbareren schwulen Subtext, als man annimmt. Nicht weil er etwas ausspricht, sondern weil er Codes inszeniert, Kostüme, Posen, überhöhte Dramatik, die mit queeren Vorstellungswelten mitschwingen. Er ist ein zentraler Bezugspunkt in dieser Debatte.
Neuere Reboots: ein moderneres Bewusstsein für die Rezeption
Neuere Produktionen, insbesondere rund um Netflix, kommen in einer Welt an, in der die Studios ein paar Dinge sicher wissen.
Fandoms sind vielfältig
queere Lesarten gibt es
die Nachfrage nach Repräsentation ist real
Einige Popkultur-Kommentare halten fest, dass die Kreativteams die Frage nach Subtext und LGBTQ+-Publikum manchmal direkter angesprochen haben, auch wenn explizite Repräsentation von Projekt zu Projekt variiert. Anders gesagt: Die Frage, ob He-Man gay-friendly ist, gehört inzwischen zur öffentlichen Diskussion um das Franchise.
Schauspieler und der „Fantasie-Effekt“: wenn das Casting zum Signal wird
Der Held als schwule Fantasie: ein Popkultur-Klassiker
He-Man ist nicht allein. Viele hypermuskulöse Helden, Superhelden, Krieger, Athleten, wurden durch den schwulen Blick erotisiert. Der Unterschied: Masters of the Universe treibt die Ästhetik so weit, dass sie zum Markenzeichen wird. Deshalb ist die Frage alles andere als ein Nischenthema.
Dolph Lundgren: kühle Männlichkeit, eine unfreiwillige Ikone
Im Film von 1987 spielt Dolph Lundgren einen He-Man ganz im Stil einer „griechischen Statue“. Für einen Teil des Publikums nährt diese Distanz, diese stille Kraft, diese kontrollierte Intensität die Fantasie.
Nicholas Galitzine: ein Casting, das die Diskussion verändert
Die Wahl von Nicholas Galitzine als He-Man im kommenden Film wurde in LGBTQ+-Medien breit diskutiert, wegen seiner jüngsten Sichtbarkeit beim queeren Publikum.
Ein Casting garantiert keine Repräsentation. Aber es kann die Rezeption prägen, ein breiteres LGBTQ+-Publikum anziehen und Interviews wie Promotion dazu bringen, das Thema anzusprechen. Ein weiterer Grund, warum die Frage schon vor dem Kinostart Wellen schlägt.
Der kommende Film: Worauf du achten solltest, um zu wissen, ob er wirklich inklusiv ist
Ohne Kritiken nach dem Start lässt sich nichts abschließend sagen. Aber wir können eine klare Checkliste aufstellen. Wenn dir ein konkret gay-friendly He-Man wichtig ist, sind das die Signale.
Signal 1: der Platz queerer Figuren
Ein modernisiertes Franchise fügt nicht einfach eine Alibifigur hinzu. Es arbeitet an der Gesamtbalance: Vielfalt der Rollen, Handlungsmacht, Komplexität.
Wenn der Film LGBTQ+-Figuren einführt oder bestätigt, lauten die Fragen:
Sind sie natürlich eingebunden?
Haben sie echte Entwicklungsbögen?
Werden sie mit derselben Würde behandelt wie alle anderen?
Signal 2: wie Körper gefilmt werden
He-Man ist ein Held, den man „anschaut“. Der Film kann diese Dimension, Ästhetik und Sinnlichkeit, annehmen oder neutralisieren.
Ein Film kann natürlich queer-friendly sein, ohne zu sexualisieren. Doch bei Masters of the Universe ist die Art, wie der männliche Körper gefilmt wird, ein starker kultureller Marker. Das Studio kann das ikonische Erbe annehmen oder es glätten, um Debatten zu vermeiden. Das ist zentral für das, was das Publikum von einem gay-friendly He-Man erwartet.
Signal 3: die Werbebotschaft (und ihre Grenzen)
Interviews und Marketing liefern oft Hinweise. Aber Marketing kann mehr versprechen, als der Film hält.
Ein guter Indikator ist Stimmigkeit.
wenn die Promotion von Inklusion spricht, sollte der Film sie zeigen
wenn die Promotion das Thema meidet, kann der Film trotzdem inklusiv sein, aber das Studio fürchtet vielleicht einen Backlash
Signal 4: Rezeption in Medien und Community
Wenn die Kritiken erscheinen, sollten wir zwei Blickwinkel betrachten.
die allgemeine Filmkritik (Handwerk, Drehbuch, Regie)
die LGBTQ+-Popkulturkritik (Repräsentation, Subtext, Rezeption)
Beide zählen, und sie werden nicht immer dasselbe sagen.
Der „Gay Mag“-Test: 7 einfache Kriterien, um zu urteilen, ohne dich täuschen zu lassen
Zeigt der Film explizite LGBTQ+-Figuren?
Haben sie einen echten erzählerischen Zweck?
Vermeidet er demütigende Klischees und Stereotype?
Werden Beziehungen (romantische oder andere) respektvoll behandelt?
Fühlt es sich wie eine Geschichte an, die ein queeres Publikum willkommen heißt, statt es nur zu benutzen?
Passt das Marketing zum Inhalt (gegen Rainbow-Washing)?
Fühlt sich das LGBTQ+-Publikum ernst genommen und nicht ausgenutzt?
Lautet die Antwort überwiegend „ja“, können wir ihn als wirklich gay-friendly bezeichnen, nicht nur als Camp-Erbe. Das ist der eigentliche Maßstab hinter der Frage.
Fazit: ein Franchise, das schon queer-friendly ist, und ein Erbe, das weiter wächst
Masters of the Universe gay-friendly: Wenn wir von kulturellem Erbe sprechen, ist das Franchise es bereits, durch seine Ästhetik, sein Camp und sein hypermaskulines Heldentum, das Generationen von LGBTQ+-Fans neu gelesen haben.
Der kommende Film wird daran gemessen, ob er dieses Erbe in modernes Erzählen übersetzen kann. Nicht nur Augenzwinkern und Stimmung, sondern Figuren, Entwicklungsbögen und Entscheidungen, die sich wirklich einladend anfühlen. Gelingt ihm das, ist „Masters of the Universe gay-friendly“ keine Frage mehr, sondern eine Feststellung.
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