Zensur. Das Wort fällt wie ein Urteil, und genau das scheint Mylène Farmer in „C’est à qui le tour“ zu inszenieren. Keine bloße Provokation, keine „düstere“ Kulisse um des Stils willen, sondern ein Alarm: ein kalter Mechanismus, eine Dystopie, die unserer Zeit unangenehm nahe kommt. Einstellung für Einstellung gelesen, erzählt das Video weniger vom Ende der Welt als vom Ende eines lebenswichtigen Raums, des Raums, in dem man noch begehren, erschaffen, lieben, gesehen werden und stören kann.
In dieser Lesart ist die Gewalt nicht nur körperlich, sie ist symbolisch, sozial, kulturell. Sie trifft den „gewöhnlichen Menschen“ ebenso wie die Kunstschaffenden. Sie trifft den Körper ebenso wie das Wort. Und vor allem trifft sie das, was in Farmers Werk schon immer zentral war: Ambivalenz, Freiheit, Dunkelheit, Sinnlichkeit, Unbehagen. Mit anderen Worten: alles, was eine prüde, mediengetriebene, algorithmische Gesellschaft zu entschärfen versucht.
Ein dystopisches Video, aber eine sehr gegenwärtige Dystopie
Du könntest „C’est à qui le tour“ als futuristische Geschichte sehen. Seine Kraft liegt jedoch darin, dass es nicht von einer fernen Zukunft spricht, sondern von einer Gegenwart, die sich verhärtet. Die Dystopie ist hier keine Fantasie. Sie ist eine Form.
Das Video setzt eine einfache, brutal wirksame Idee: Eine Zivilisation bricht nicht immer mit einem spektakulären Knall zusammen. Sie kann sich auflösen, durch kleine Amputationen, aufeinanderfolgende Einschränkungen, die Normierung des Blicks, die Angst zu schockieren, die Besessenheit vom „Schützen“, bis das Lebendige verdächtig wird.
Das Ende der Zivilisation als Erosion
Was diese Art der Inszenierung erzählt, ist ein langsames Ende, ein Ende durch Erschöpfung.
- Wenn man Liebe nicht mehr zeigen darf, lernt man, sie zu verstecken.
- Wenn man Begehren nicht mehr zeigen darf, lernt man, es zu leugnen.
- Wenn man Mehrdeutigkeit nicht mehr zeigen darf, lernt man, sich selbst zu vereinfachen.
Und wenn Kunst nicht mehr gefährlich sein darf, wird sie dekorativ. Genau da ist die Warnung politisch, aber auch intim.
Der Tunnel, oder Zensur als Gewalt, die Menschen fallen lässt
Von den ersten Bildern an ist die Symbolik des Tunnels unerbittlich. Ein Tunnel ist ein Durchgang, ein Dazwischen, ein Ort, den man durchquert, weil man keine Wahl hat. In dieser Lesart wird der Tunnel zum Sortierkorridor, zu einem Ort, an dem man erduldet.
Man versteht, dass dort Menschen erschossen werden, und sie fallen. Dieser Sturz ist nicht nur der Tod im wörtlichen Sinn, er ist die bildliche Übersetzung einer Idee: Zensur ist keine neutrale Regel. Sie tut weh. Sie eliminiert. Sie bringt zum Schweigen. Sie lässt Menschen fallen.
Ein geteilter Schmerz, Publikum und Künstler
Das ist wichtig, weil es das Klischee des „gemarterten Künstlers“ vermeidet, der vom Rest der Welt abgeschnitten ist. Hier trifft die Wunde alle.
- Das Publikum, weil es Bilder, Geschichten, Freiheiten verliert.
- Der Künstler, weil er einen Raum des Ausdrucks verliert.
Zensur ist keine abstrakte Debatte. Sie hat konkrete Folgen, sie verändert, wie wir leben, wie wir uns zeigen, wie wir unsere Geschichten erzählen.
Ein Mechanismus Schritt für Schritt
Der Tunnel erzählt auch von einem Prozess. Man kippt nicht über Nacht. Man akzeptiert eine erste Einschränkung. Dann noch eine. Und noch eine. Bis man sich dabei ertappt, „normal“ zu finden, was früher undenkbar gewesen wäre.
So entsteht oft eine Gesellschaft der moralischen Überwachung: nicht durch ein einziges großes Verbot, sondern durch eine Reihe kleiner Zugeständnisse.
Der Nachtclub, wenn Begehren zu „Content, der moderiert werden muss“ wird
Die Nachtclub-Szene ist zentral, weil sie einen Ort verdreht, der historisch mit queerer Freiheit verbunden ist. Nacht, Feiern, Schweiß, Blicke, Körper, Mehrdeutigkeit. In Mylène Farmers Universum waren solche Räume oft Labore der Grenzüberschreitung, Orte, an denen man anders sein kann.
Hier dagegen wird der Club zu einem Raum, in dem es verboten wäre, Menschen in ihrer Liebe oder ihrer Sexualität zu sehen. Das ist nicht nur ein sexuelles Verbot, es ist ein Verbot der Sichtbarkeit.
Moderner Puritanismus, sauberer, aber übergriffiger
Auffällig ist, dass sich die heutige Zensur nicht immer als brutale Unterdrückung zeigt. Sie tritt als Moral auf, als „Schutz“, als Hygiene.
Doch das Ergebnis ist dasselbe: eine Welt, in der man lernt, sich selbst zu zensieren.
- Man schneidet weg, was heraussticht.
- Man verpixelt, was verunsichert.
- Man löscht, was stört.
Und vor allem macht man Intimität zu einem möglichen Vergehen.
Social Media und Massenmedien, Normierung durch den Blick
Die Lesart, die diese Szene mit Social Media und prüden Medien verbindet, ist stimmig, denn unsere Zeit hat eine Zensur erfunden, die nicht immer einen Staat braucht.
Sie kann ausgehen von:
- Algorithmen,
- undurchsichtigen Moderationsrichtlinien,
- moralisierenden Kampagnen,
- medialen Panikwellen,
- der Angst, „gecancelt“ zu werden.
Begehren wird zum Reputationsrisiko. Komplexität wird zum Risiko, missverstanden zu werden. Und Kunst wird zum Risiko einer Sanktion.
Zwei Mylènes, XXL und Libertine, die Verdopplung als historische Wunde
Die nächste Szene mit zwei Mylènes ist in dieser Deutung vielleicht die bewegendste. Denn sie spricht nicht nur von der Künstlerin heute, sie spricht von der Künstlerin über die Zeit hinweg.
Die eine Mylène verweist auf die „XXL“-Generation, die andere auf die „Libertine“-Generation. Das sind keine nostalgischen Augenzwinkern. Das sind Verkörperungen.
Was die Künstlerin heute vielleicht nicht mehr erschaffen könnte
Zu sagen, dass die „Libertine“-Mylène für das steht, was die Künstlerin heute vielleicht nicht mehr erschaffen könnte, heißt, auf ein sehr aktuelles Phänomen hinzuweisen: das moralische Umschreiben der Vergangenheit.
Man sagt nicht mehr einfach: „Das ist nicht mehr unsere Zeit.“ Man unterstellt: „Das hätte es nie geben dürfen.“
Und genau da wird Zensur zur Wunde, denn sie begrenzt nicht nur die Gegenwart, sie beschmutzt rückwirkend, was Generationen befreit hat.
Eine intime Wunde und eine kollektive Wunde
Wenn diese Mylène verletzt gezeigt wird, leidet nicht nur die Künstlerin. Es leidet auch das Publikum.
Denn für viele war Mylène Farmer eine Tür.
- Eine Tür zum Begehren ohne Entschuldigung.
- Eine Tür zur Ambivalenz.
- Eine Tür zu einer queerfreundlichen Ästhetik.
- Eine Tür zur Freiheit, zu fantasieren, ohne um Erlaubnis zu fragen.
Wenn sich diese Tür schließt, erstarrt nicht nur eine Diskografie. Dann schrumpft eine ganze Vorstellungswelt.
Mylène Farmer, Zeugin, Zielscheibe und Widerstand
Mylène Farmer ist keine „brave“ Künstlerin. Selbst wenn sie sich rar macht, bleibt sie eine Figur, die verunsichert, weil sie daran erinnert, dass Pop ein Raum des Unbehagens sein kann.
In „C’est à qui le tour“ erscheint sie als:
- Zeugin, weil sie den Umbruch beobachtet,
- Zielscheibe, weil ihr Werk genau das ist, was manche neutralisieren möchten,
- Widerstand, weil sie sich weigert, ihre Kunst harmlos zu machen.
Ein Werk, das auf Ambivalenz gebaut ist
Was in dieser Lesart ins Visier genommen wird, ist nicht ein bestimmter „Skandal“. Es ist die Ambivalenz selbst.
Dabei ist Ambivalenz lebenswichtig.
- Sie erlaubt, außerhalb von Schubladen zu existieren.
- Sie erlaubt, zu begehren, ohne sich zu rechtfertigen.
- Sie erlaubt, die Welt zu erzählen, ohne sie zu vereinfachen.
Auch deshalb spricht Farmer einen Teil der LGBTQ+-Community so stark an, denn Ambivalenz ist dort eine alltägliche Erfahrung, sozial, intim, politisch.
Zensur heißt nicht „Man darf nichts mehr sagen“, sondern „Man darf nichts mehr leben“
Die öffentliche Debatte über Zensur steckt oft fest. Sie zerfällt in Schlagworte. So gelesen, verschiebt das Video die Frage.
Es sagt nicht nur: „Wir können nicht sprechen.“ Es sagt: „Wir können nicht voll leben.“
Wenn Kunst akzeptabel wird, wird sie nutzlos
Eine Kunst, die nie schockiert, nie verunsichert, dir nie Unbehagen bereitet, dient am Ende kaum noch einem Zweck. Sie wird zum Wohlfühlprodukt.
Mylène Farmer dagegen hat das Unbehagen immer als eine Form von Wahrheit bearbeitet.
Und vielleicht ist das die klarste Botschaft von „C’est à qui le tour“, wenn man sich auf diese Lesart einlässt: Eine Gesellschaft, die Unbehagen verbietet, verbietet auch das Denken.
Die letzte Frage, „Wer ist der Nächste?“
Der Titel wirkt wie eine Drohung und wie eine Frage.
Heute wird ein Körper zensiert. Morgen ein Wort. Übermorgen eine Erinnerung.
Und letztlich lautet die Frage nicht nur: „Wer wird die nächste Zielscheibe?“
Sondern auch: „Wer wird es hinnehmen, zu fallen, ohne etwas zu sagen?“
Was Gay Mag daraus mitnimmt, eine queere, kulturelle und politische Warnung
Für ein Medium wie Gay Mag hat diese Lesart einen besonderen Nachhall. Denn die LGBTQ+-Geschichte ist auch eine Geschichte von Sichtbarkeit, die erkämpft, dann bestritten und manchmal wieder entzogen wurde.
Der verbotene Nachtclub, die unsichtbar gemachte Sexualität, die verletzte Künstlerin: Das sind Bilder, die uns ansprechen.
Und wenn Mylène Farmer diese Inszenierung wählt, dann nicht nur, um ein Ereignis zu schaffen. Sondern um daran zu erinnern, dass Freiheit nie garantiert ist.
Zensur kann, wenn sie sich als Moral tarnt, „vernünftig“ wirken. Doch ihre Wirkung ist immer dieselbe: Sie lässt die Welt schrumpfen.
Und in dieser geschrumpften Welt bleibt Farmers Frage im Raum stehen, eindringlich, fast unerträglich.
Zensur: Wer ist der Nächste?
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